Ruská Avantgarda Od Kubismu K Surrealismu

Oslnivá odrůda je definující charakteristikou práce Vladimíra Baranova-Rossiného. Ruský malíř prozkoumal celou řadu stylů po celý svůj život, čímž se jeho dílo stalo avantgardním kaleidoskem barev a pohledů. Costanza Beltrami se podrobněji podívá na obrazy Baranova-Rossiniho z kubismu na surrealismus, výstavu pořádanou Petrohradskou galerií v Londýně.

Pokud je každé přízemní okno na Cork Street živé s návnadou uměleckých děl, Galerie Petrohradu je ohlašena kaleidoskopem barev a stylů. Oslnivá odrůda je opravdu první dojem z díla Wladimira Baranova Rossina, což je dojem zesílený názvem výstavy, od kubismu k surrealismu.

Tento všestranný výhled je jistě odůvodněn relativní novinkou umělecké práce na londýnské umělecké scéně. Ve skutečnosti je to jen druhá londýnská výstava představující Baranov-Rossiné oeuvre sám o sobě, aniž by jej snížil na poznámku k dílu nějakého známého umělce nebo jej upravoval tak, aby se vešel do nějakého pečlivě konstruovaného "-ismu", jak v Fischer Gallery v 1973. Místo toho, výstavy Galerie St Peterburg se zabývá celou řadou stylů, které umělec po celou dobu svého života prozkoumal, stejně jako jeho předchůdce, výstavu Rutland Gallery 1970.

Baranov-Rossiné se narodil v Oděse v 1888, ale přestěhoval se do St Peterburgu, aby dokončil studium na akademii. Tato akademie byla v učebním plánu natolik neoklasicistická, že nebyla takřka perspektivní institucí. Přesto se na přelomu století stalo domovem světa umění, skupiny umělců, jejichž cílem bylo podpořit kulturní výměnu mezi Ruskem a západní Evropou. Diskutovat a vystavovat zahraniční umělecká díla, skupina popularizovala symbolistické tendence francouzského malířství z přelomu století a výrazně podporovala jejich napodobování v Rusku. Vliv symbolismusových ideálů, svět umění se snažil o spojení malby, hudby a literatury v "totálním" uměleckém díle, a tím ovlivnil vývoj ruského divadla a baletu.

Narodil se v následující generaci, Baranov-Rossiné nebyl přímo součástí světa Artcircle, a přesto byl velkou měrou ovlivněn v osobním spojení s Francií a francouzským malováním. Vyobrazení sfinxu, oblíbeného stvoření Symbolistů, ale také velkolepého ozdobení neoklasické fasády na Petrohradské akademii, je Rossinéova počáteční malba "Sphinx of St. Petersburg" (1909) potvrzující váhu tohoto vlivu.

Z realistického stylu "sídel" (1907), (1910) a zelené stíny "Nude" (1907), zdá se, že rané obrazy Baranova-Rossiné zaznamenávají objev francouzštiny avantgarda v Rusku.

V rozporu se všudypřítomným důrazem na jeho titul je výstava ve skutečnosti úzce zaměřena na období mezi 1910 a 1915, kdy se umělec přestěhoval do Paříže. Výstava se otevírá dvěma hlavními díly, které odpovídají počátku tohoto období: na jedné straně vchodu visí "Zátiší s Shell" (1910), její nakloněná deska, rozptýlené jablka a květinová květina připomínající Cézanneho "Zátiší s jablky a Pot of Primroses '(cca 1890, Metropolitan Museum, New York); na druhé straně existuje "mateřství" (1910), jehož kubistický rozklad a ztlumené barvy se zdají být inspirovány současnými experimenty Picasso a Braque s analytickým kubismem.

Mezi dvěma malbami je "Polytechnická plastika" (1915), abstraktní kousek složený z nesourodých fragmentů dřeva a kovu. Umístěný dobře v okénku v galerii, je tato socha jasně představena vrcholovým bodem umělce oeuvre. Spolu s většími díly "Rhythm" (1913) a "Dance" (1914), součástí výstavy je i Baranov-Rossiné pouze pět stávajících soch. Realizované v sekvenci opačné k zobrazení, sochy ukazují, že Baranov-Rossiné experimentuje s trojrozměrným a nekonvenčním sochařským materiálem, jako je polychromovaný kov, lepenka a dokonce i drcené vaječné skořápky, pravděpodobně podle příkladu kolážů Picassa.

Tyto sochy jsou nejinovativnějšími uměleckými díly, které působí jako "katalyzátor nové éry" nespokojené s tradičními formami, a proto se prokazují jako "zásadní" pro rozvoj kubo-futurismu. Baranov-Rossiné však rozhodně nebyl jediný umělec ovlivněný experimenty kubistů. Například Vladimir Tatlin začal vytvářet "malířské reliéfy" po svém zjevném setkání s Picassem v 1913u. V těchto dílech se Tatlin oddělil od figurace, zaváděl prostor jako obrazový prvek a pečlivě zkoumal charakteristickou strukturu každého materiálu.

Výsledkem takových ztlumených multimediálních sestav, jako je "Corner Counter-Relief" (1914, Thyssen-Bornemisza Museum v Madridu), je umělecký výzkum Tatlinově povrchně podobný Baranovově-Rossinskému, zvláště když jsou považovány holé dřevo a kovové formy "polytechnické sochy" v izolaci. Prioritou, kterou tato socha věnuje před více "pěkným" rytmem a "tancem", je pravděpodobně pokus využít této podobnosti. Srovnání je však zavádějící, protože Tatlin by sotva ocenil další dvě sochy. Charakterizované brilantními barvami a mělkou reliéfí, připomínají práce dalšího ukrajinského emigranta, Alexandra Archipenka, souseda Baranova-Rossiného u pařížské umělecké kolonie La Ruche. Obzvláště sochy Archipenka a Baranov-Rossiné projevují společný zájem o divadla a tanec, což je možná výsledek mimořádného úspěchu Diaghileova baletů rus sezóny v 1909.

Rozdělená do prvků "Rhythm" a "Dance" skulptury, hudba je viditelně důležitá v jiných dílech prvního pařížského období umělce, zejména série studií Nymfy a kentaury. Ačkoli tyto obrazy údajně ukazují scény z mytologické znásilnění, vzájemně blokované pózy mužských a ženských bytostí vyvolávají grand jeté výtah. Vzhledem k tomu, že převládají postavy, vzorek barevných kruhů poukazuje na vliv orphismu, který se zajímá o podobnosti mezi "čistou malbou" a hudbou, která se rozvíjela kolem blízkých přátel Baranov-Rossiné Robert a Sonia Delaunay. Vytvářením bohatého a brilantního vzoru vytvářejí tři malby Orphic motivy všestranný efekt připomínající vzory záclon.

Zatímco tyto orfické obrazy ukazují plnou integraci Baranova-Rossiné v pařížských emigračních kruzích, "Counter Relief" (1917), jeden z posledních malířů visí na přízemí galerie, znamená návrat umělce do Ruska po revoluci 1917. Skládající se z dřevěných tvarů připevněných k přední části prázdného rámu, "Counter Relief" ztělesňuje jasné odmítnutí iluzionistické obrazové roviny, která se tradičně spojí s obrazovým stojanem. Přímé půjčování titulu od Tatlina ukazuje, že Baranov-Rossiné je ochoten přijmout nové umění pro nový řád. V důsledku toho byl Baranov-Rossiné okamžitě akceptován avantgardou a dosáhl významných vzdělávacích a vládních pozic, jako je například vedoucí malířství v SVOMAS (Petrograd Free Studios) a člen Izo-Narkompros (Odbor umění a průmyslu lidové Školní komise).

To je v Rusku, že umělec zdokonalil "Octophonic Piano" (1920-1923), první elektronický nástroj k vytvoření ideální fúze mezi barvou a hudbou. Skládající se z klavíru s barevnými disky osvětlenými kouzelnou lucernou namísto strun, tento tichý nástroj zobrazoval neustále se měnící barevné vzory dotykem každého klíče. Překvapivě byl tento nástroj funkční až do konce koncertů v divadlech Bolshoi a Meyerhold a byl později patentován.

Přeplněná uměleckými díly, prostor nižšího prostoru sousedí s dřívějšími a pozdějšími uměleckými pracemi: tím, že přináší obrazy rané a pozdější, může divák vzbudit úžasnou kariéru umělce. Na pozdních plátnech, kubistické úhly přinesly měkké okraje biomorfních forem a mechanické se staly metafyzickými. A stejná odrůda může být zopakována v samotných pozdějších pracích: "Lady Chatterley" (1932) se opírá o symboliku skupiny World of Art, zatímco "abstraktní kompozice" (1932) opouští figuraci, aby se těšila.

Ve skutečnosti je tato odrůda taková, že Baranovo-Rossinéovo dílo je tak působivé; vizuálně oslňující, jeho katalog heterogenních stylů zmate a někdy i dezorientuje, ale co je nejdůležitější - fascinuje diváka.

Vladimir Baranov-Rossiné (1888-1944): Od kubismu k suprarealismu je vystaven až do 20 březen 2014 v galerii St Petersburg v Londýně.