10 Japonských Současných Umělců, Kteří Mají Vědět
Japonská současná umělecká scéna je bohatě rozmanitá, je domovem průkopnických umělců, kteří transformovali průmyslovou krajinu v celosvětovém měřítku. Od hnutí Superflat Takashi Murakami k vesmírnému polka bodkovaného Yayoi Kusamu, k vizuálním médiím založeným na spolupráci a performativním přístupu a k futuristickému využití technologie v uměleckých praxi, profilujeme deset známých současných japonských umělců.
Chiho Aoshima
Členka umělecké společnosti Kaikai Kiki a hnutí Superflat (obě založená legendárním japonským umělcem Takashi Murakami), Chiho Aoshima je nejlépe známá svými fantastickými městskými popovými tvorbami a krajinou. Autodidakt, který začal pracovat s grafickým uměním v továrně Murakami, Aoshima, vytváří surrealistické sny, které obývají duchové, démoni, mladé ženy a prvky přírody. Její umělecká díla jsou typicky ve velkém měřítku a jsou tištěny na papíře s materiály jako je kůže a plast, pro texturu. V produktech 2006 vytvořil Aoshima City Glow, Mountain Whisper (2006) na stanici Gloucester Road v Londýně jako součást Art on the Underground, kde 17 postupné plošinové oblouky vytvořily kouzelnou krajinu, která se postupně přeměnila ze dne na noc, z města na venkov. Práce zobrazuje utopický svět Aoshimy, v němž je čas pozastaven a organické stvoření jsou jedinou s jinými neživými věcmi.
Chiharu Shiota
Chiharu Shiota je výkonný a instalační umělec, který vytváří rozsáhlé vizuální instalace specifické pro danou lokalitu. Ústředním bodem její praxe jsou témata paměti a zapomnění, sny a realita, minulost a současnost a konfrontace úzkosti. Její nejslavnější práce jsou neprostupné sítě černé nitě, které obklopují řadu domácích, osobních a každodenních předmětů, jako jsou staré židle, spálené klavír, svatební šaty a někdy i samotný umělec. Labyrint paměti (2012) se skládá ze série šatů, které obklopují všudypřítomné černé nitě, které jsou přítomny v mnoha jejích pracích. Tyto šaty jsou koncipovány jako "druhá kůže", jak tvarování, tak zúžení těla. Všudypřítomnost černé příze je určena k popisu a prosazování tohoto přesného vztahu. V létě 2014 nainstaloval Shiota Perspektivy (2004), vyrobené z více než 300 dárkové boty doprovázené ručně psanými poznámkami od každého dárce. Shiota pak spojila boty s řetězcem červené příze, z nichž každá byla zavěšena ze stejného háčku. Shiota zastupovala Japonsko na bienále 56 v Benátkách v 2015 a její první výstava u Blain Southern v Berlíně, která se otevřela během týdne Berlínského umění v 2016, vyvolala pocit.
Ei Arakawa
Ei Arakawa je inspirován stavem změn, obdobími nestability, šťastnými nehodami a prvky rizika. Jeho výkonná díla a instalace zahrnují témata kolektivity, přátelství, simultánnosti a improvizace. Práce Arakawy je téměř vždy společná a zabývá se uměleckým prvkem společenských představení - od výroby až po zničení. Jeho umělecká citlivost je informována výkonným, neurčitým, "všude-ale-nikde" podmínkou. Jeho práce se objevuje na neočekávaných místech v mezinárodním měřítku a vynásobí procesy spolupráce. V 2013 byl jeho dílo vystaveno v "Kamikaze Loggia" (gruzínský pavilon) na bienále v Benátkách a v průzkumu japonského současného umění s názvem Roppongi Crossing v Mori Art Museum. Jeho instalace Havajská přítomnost (2014) byl společným projektem s uměleckou hvězdou v New Yorku Carissou Rodriguezem pro bienále 2014 Whitney. Ve filmu Frieze London v 2014 Arakawa a jeho bratr Tomoo - pracující jako duo pod názvem United Brothers - představili výkonnou práci s názvem Má tato polévka chuť ambivalentní? ve kterém pár nabídl polévku návštěvníkům, údajně vyrobený s Fukušimovými "radioaktivními" kořeny daikonu.
Koki Tanaka
Artist roku 2015 Deutsche Bank, vizuální přístup Koki Tanaka zkoumá komunitu a sdílený zážitek tvořivosti a fantazie, povzbuzuje výměnu mezi účastníky a zároveň prosazuje nová pravidla spolupráce. Jeho instalace na pavilonu 2013 Venice Biennale v Japonsku sestávala z videa s objekty, které přeměňují Pavilon na platformu pro umělecké sdílení. Tanaka videa a instalace prozkoumají vztah mezi objekty a akcemi, zaznamenávají jednoduché gesta s každodenními předměty, jako je například nůž na řezání zeleniny, pivo nalije do sklenice a otevření deštníku. V těchto videích se nic nestane, přesto nutkání opakování a pozornost detailu přimějí diváka k tomu, aby si ocenil světské dílo.
Mariko Mori
Mariko Mori vytváří multimediální díla v oblasti videa, fotografie, nových médií a instalace. Vyjadřuje minimalistickou, futuristickou vizi prostřednictvím elegantních, neskutečných forem. V Moriově díle se opakuje téma soustředění východní mytologie se západní kulturou, jak je vidět na jejích digitálně rozvrstvených snímcích. Mori přišel s vyznamenáním Wave UFO, který debutoval v Kunsthaus Bregenz, Rakousko v 2003. Následně tento snímek odcestoval do New Yorku a později byl zařazen do bienále 2005 v Benátkách. V 2010 založila Mori Nadaci Faou, vzdělávací a kulturní neziskovou organizaci, kterou se věnuje sérii vlastních harmonických stálých uměleckých instalací specifických pro danou lokalitu na počest šesti obyvatelných kontinentů. Nedávno byla vytvořena trvalá instalace Nadace Faou Prsten: Jeden s přírodou byla instalována nad malebným vodopádem Visconde Mauá v Resende nedaleko Rio de Janerio.
Ryoji Ikeda
Ryoji Ikeda je nový mediální a zvukový umělec, jehož práce se primárně zabývá zvukem v různých "surových" stavech - od sinusových tónů až po hluk - využívající frekvence na okraji lidského sluchového spektra. Jeho výkony a ponorná instalace obsahují počítačem generované zvuky, které se opticky promítají na video projekce nebo digitální vzory. Ikedova audiovizuální díla využívá měřítko, světlo, stín, hlasitost, stín, elektronické zvuky a rytmus pro zaplavení smyslů. Ikeda je slavná Zkušební vzor [č.5] obsahuje pět projektorů, které osvětlují podlahovou plochu několik metrů 28 dlouhých a osm metrů širokých. Instalace převádí data (text, zvuky, fotografie a filmy) do čárových kódů a binárních vzorů nuly a ty. Ikedovo dílo také zahrnuje jednu noční představení, jako je datamatics [ver.2.0], aktualizovanou verzi audiovizuálního koncertu, který představil na několika místech po celém světě od 2006, počínaje Zero1, San Jose, Kalifornie, pro ISEA 2006. Ikeda zkoumá a aplikuje matematické a vědecké metody na formování hudby, času a prostoru, vytvářející okouzlující zážitky. On zkoumá zvuk a vizi, dekonstruovat jejich fyzické vlastnosti odhalit složité vztahy spojené s lidským vnímáním. Nakonec Ikeda testuje extrémní potenciály digitální technologie, které zpochybňují prahové hodnoty vnímání.
Takashi Murakami
Takashi Murakami je jedním z nejživějších umělců v Japonsku. Od malby až po rozsáhlé sochy a módní spolupráce je práce Murakami ovlivněna manga a anime. Zakladatel hnutí Superflat a umělecký kolektiv Kaikai Kiki Murakami vyvinul a podporoval kariéru mnoha jeho současníků. Termín "superflat" popisuje jak estetické vlastnosti japonské umělecké tradice, tak povahu poválečné japonské kultury a společnosti. Tradice zanechala dědictví plochých dvourozměrných snímků s důrazem na ploché barvy, které byly v moderní kultuře přepracovány mangem a anime. Poválečné Japonsko také zažilo zploštění rozdílů v sociální třídě a oblíbenosti. Murakamiho vlastní praxe zahrnuje přebalování prvků, které jsou obvykle považovány za "nízké" nebo subkulturní a prezentují je na "vysokých" uměleckých trzích módy a umění. Jeho provokativní My Osamělý kovboj (1998) prodáno v Sotheby's v New Yorku za rekordních $ 15.2 milionů v 2008. Kromě jeho uměleckých děl spolupracoval s Marc Jacobs, Louis Vuitton a Issey Miyake.
Tatsuo Miyajima
Tatsuo Miyajima je sochař a instalační umělec, jehož vysoce technologické práce používají moderní materiály, jako jsou elektrické obvody, video a počítače, zaměřené na používání zařízení od 1980. Základní myšlenky Miyajimy jsou inspirovány humanistickými myšlenkami a buddhistickými učením. Kontrolky LED ve svých instalacích nepřetržitě blikají v opakování od 1 po 9, což symbolizuje cestu od života k smrti, ale vyhýbá se finálnosti, kterou představuje 0 a nikdy se neobjevuje ve své práci. Jeho stále přítomné číslice, prezentované v mřížích, věžích a okruzích, vyjadřují svůj zájem o myšlenky kontinuity, spojení, věčnosti a toku času a prostoru. V poslední době se Miyajimu objevuje dílo Arrow of Time (Nedokončený život) byl představen v inaugurační výstavě Met Breuer, Nedokončené: myšlenky vlevo viditelné v New Yorku.
Yayoi Kusama
S ohromující kariérou po sedm desetiletí prozkoumala Yayoi Kusama oblasti malířství, kreslení, koláže, sochařství, představení, film, tvorbu grafiky, instalaci a environmentální umění, literaturu, módu a design výrobků. Kusama vyvinul vysoce výrazný styl polka tečkovaného umění, který se od té doby stal její ochrannou známkou. Taková iluzorní vize jsou pro Kusamu výsledkem halucinací, které zažila od dětství, ve kterých se zdá, že svět je pokrytý proliferujícími formami. Kusama pokrýval celé místnosti s barevnými tečkami a "nekonečnými" zrcadly, které nekonečně odrážejí barevné světelné tvary.
Yoshitomo Nara
Yoshitomo Nara vytváří obrazy, sochy a výkresy znázorňující jeho podpisy se široce otevřenými dětmi a psy - předměty, které se snaží zachytit dětský pocit nudy a frustrace a znovu zachytit tuhou nezávislost, která je přirozená dětem. Vzpomínka na tradiční knižní ilustrace, jeho estetika představuje neklidné napětí, částečně ovlivněné Naraovou láskou k punk rock. Názvy jeho prací jsou svědectvím tohoto, od Dívka s nožem v její straně (1991) do Tiché násilí (1998) Neurotické kosti (1999), a Nic tu není (2000). V 2011 se v New Yorku v Asijském muzeu konalo první hlavní sólová výstava s názvem Yoshitomo Nara: Nikdo není blázen, které zahrnují práci, která zahrnuje kariéru umělce 20-rok. Práce na výstavě byly úzce spojeny s citlivostí mladých subkultur po celém světě, zaměřené na témata odcizení a vzpoury, zejména ve vztahu k rockové a punkové hudbě.
