10 Nejlepších Australských Fotografů, Které Byste Měli Vědět

Fotografie je populární umělecké médium v ​​Austrálii, kde není nedostatek předmětů, od nádherné přírodní krajiny až po multikulturní obyvatelstvo. Moderní umělci používají fotoaparát k zobrazení každodenního života a jeho přeměny, stejně jako měnící se přírodní a společenské prostředí. Od tradičnějších použití média k testování jeho hranic a omezení a překračování žánrů, tito 10 fotografové patří mezi nejlepší práci dnes.

Justine Khamara

Justine Khamara (b. 1971) zkoumá a zpochybňuje hranice fotografického média, re-interpretuje fotografické portréty a zpochybňuje současné pojetí bytí. Její trojrozměrné skulpturální a kolážové práce nabízejí manipulaci s realitou, která se zabývá pojetím sebe-reprezentace v éře okamžitých, nekonečně generativních (re) výrobních technologií. Její dílo zaměstnává zřetelně rozřezané fotografie a obrazy jediného předmětu zachyceného z několika úhlů. Erysicthonův ples (2010) byl inspirován řeckým mýtem o Erysicthonu, králem Tesálie, aby zpochybnil marnost moderních společností, zjevný v rozšířené, samoabsorbované činnosti získávání více obrazů sebe sama a jejich vysílání prostřednictvím různých kanálů sociálních médií - k ovládání osobního zastoupení a udržení jevů marnosti. V mnoha jejích dílech používá Khamara obrazy sebe sama a své rodiny nebo kamarádů, což jí dovoluje úzce spolupracovat se svými portréty. Ve filmu Sledujte, jak procházím těmito tenkými listy (2011), textilní deska tištěná s obrazy sama sebe a její matky je kombinována se zrcadlem, aby upoutala pozornost na možnost, že jednotlivci budou mít několik aspektů sebe sama.

Bill Henson

Bill Henson (b. 1955) využívá určitou dobu dne - soumrak - zachytit obrazy krajin a mladistvých mládeže, které vytvářejí jakousi "moderní mytologii". Světelné podmínky soumraku a techniky podexponování a nastavení tisku umožňují Hensonovi dosáhnout kontrastu stínu a světle-šeroskurou, které se podobají malbě flámskych mistrů. Jeho dílo vyvolává atmosféru transcendence a nadpřirozených událostí a zkoumá opakující se téma duality. Jeho subjekty jsou zobrazovány v temnotě a slabém světle, nikdy se nedívají přímo na čočku, částečně skryté, aby vytvořily auru tajemství a bacchanianské existence. Hensonova malířská, pořádaná tabulka pokračuje v tradici 19^th století romantickou literaturou a uměním a konceptem vznešeného, ​​ve kterém vznešenost přírody vyvolává konfliktní pocity úžasu, teroru a úcty. Rozostřením přímky mezi realitou a nevědomím přenáší Henson diváka do paralelního rozměru, který se skrývá za hustými závojy temnoty a bohatě nabitý odkazem na naši minulost. Pro umělce jsou krajinky silnými prvky našich vzpomínek a zájem o jejich zachycení Pamatuj na smrt obrazy, které mají sílu přenést diváka do nadčasového světa.

Tracey Moffattová

Filmový tvůrce a fotograf Tracey Moffatt (1960) vytváří myšlenka provokující díla, která zkoumají otázky jako je rasa, dětská trauma a média, stejně jako domorodé podmanění, nadřazenost matky, genderové stereotypy a třídní dělení. Práce vyrobené v 1980s zahrnují Někteří Lady (1986), řadu černobílých fotografií, které ukázala vedle barevné fotografie Filmová hvězda (1985). v Zklamané sny (1989), Moffatt představil bohatý, roztříštěný příběh s sugestivními obrazy násilí, kouzla a zklamaných snů. Její zájem o mocenské vztahy je evidentní Scarred pro život (1994), sada litografií sousedících s fotografiemi a textem, napodobující rozložení a formát starých, vybledlých Život stránky časopisu. Série zobrazuje dětství a dospívání jako časy nasycené násilím, zanedbáváním a psychickými otřesy. Ve společnosti 1998 Moffatt experimentoval s novým médiem, který vytvářel Laudanum, série fotogravuryNebo fotografické rytiny - zaměřené na vztah mezi ženou a jejím domorodým služebníkem. Její nedávné dílo, "Spirit Landscapes" (2013), které je na programu QAGOMA v 2015 vystaveno, obsahuje pět nových fotografických sérií a filmů, které zkoumají duchovnost, paměť v krajině a nadpřirozené a nabízejí rozjímání o významu země a místo prostřednictvím osobních a univerzálních dějin.

Patrick Pound

Ve středu praxe Patrika Pounda (b. 1962) je zájem o pojmy shromažďování a archiv, které mu umožňují vytvořit nějaký druh mapování lidské kultury. Tím, že drží pohled na svět, který ji srovnává s hádankou, se umělec pokouší znovu připojit své kusy po jednom, tím, že pečlivě shromažďuje, kategorizuje a klasifikuje nalezené fotografie a epheru. Poundova praxe má za cíl dosáhnout nedosažitelného porozumění prostřednictvím nekonečné sbírky. Jeho koláže a shromáždění nalezených snímků a vyřazených objektů nejsou náhodné, spíše fungují jako definice ve slovníku nebo jako kompilované a postavené důkazy. Pound "definuje" abstraktní představy, které jsou zachyceny ve filmu, ale přehlíženy společnými pozorovateli - materializujícími portréty nehmotného. Například portrét větru (2013) obsahuje velkou sbírku nalezených portrétů lidí, kteří se stali ve větru, zatímco seriál Crime Scene (2013) obsahuje fotografie, ve kterých se objekty zdají být zesnulí - v pravdě , většina z nich spala. Stín fotografa je série fotografií, ve kterých je stín fotografa zachycen ve filmu, zatímco v Chybějící Pound odstranil lidi z pohlednic a fotografií pomocí Photoshopu.

Liu Xiaoxian

Původně z Číny se Liu Xiaoxian (b. 1963, Peking) přestěhoval do Austrálie v 1990 po incidentu Tiananmen. Jeho čínské zázemí a jeho životní zkušenost jako "adoptovaný" australský hrají důležitou roli ve své umělecké praxi, která zkoumá rozdíly a podobnosti mezi Východem a Západem v otázkách jako je kultura, tradice, politika, náboženství, identita a pohlaví . Prostřednictvím fotografie a sochařství Liu analyzuje ikonické nebo kulturně významné západní a východní symboly jako výraz migrantské zkušenosti a svádí je ve své práci. Jeho monumentální diptych Naši bohové (2000), ve sbírce Umělecké galerie Nového Jižního Walesu, sdružuje reprezentace utrpení Krista a smějecího Buddhy. Více než jen umístěné vedle sebe, dva portréty jsou složeny - pomocí montáže a digitální manipulace - 22,500 drobných opakovaných obrazů druhé, jako jsou pixely. V dřívější práci, Moje další životy (1999), Liu použil fotografie z jeho rozsáhlé sbírky vintage australské rodinné alba. Umělec digitálně vložil obličej do stereografických obrazů australských rodin z počátku století. Liu se pokouší zviditelnit často přehlíženou historii asijských identit v rámci výstavby australské kultury a také řešit myšlenky vysídlení, migrace a identity.

Pat Brassington

Práce ve fotografiích a digitálních médiích, Pat Brassington (b. 1942) čerpá vlivy ze surrealismu, proniká do podivného a provokativního efektu, který má dvojznačnost na interpretaci. Její práce se odvíjí do obrazů, které se podobají inkblotům Rorschachova testu, otvírají se k nekonečným možnostem našich vnitřních psychologických stavů souvisejících s vyprávěním o sexu, paměti a identitě. Brassingtonovy ospalé obrazy kombinují analogové a digitální, minulé i současné, vytvářejí dvojznačnou, někdy abstraktní (sur) realitu. Ve své rané tvorbě použila černobílý film na zachycení básnických, temných obrazů akty v blízkosti vchodů a dalších děl. V 1990 se Brassington odklonil od tradičního média a začal přijímat digitální manipulaci. Schopnost demontovat, dekonstruovat a rekonstruovat obrazy ustoupila své neohraničené představivosti a umožnila jí, aby pokračovala v dlouhodobém zájmu o prostor mezi realitou a fantazií. Umělec používá nalezené fotografie nebo existující fotografie z vlastní osobní sbírky, která je kombinuje s "cizími prvky". Rušivé obrazy zubatých úst, jako například Zapomeňte na své perfektní (2008), vyklenuly stehna a prvky podobné genitáliím - například v její sérii V mé matce House (1994) - jsou jen některé z mnoha, které produkovala.

Peta Clancy

Peta Clancyová (b. 1970) zkoumá témata přechodnosti, dočasnosti, přeměny a tělesných a subjektivních limitů lidského těla. Její fotografická praxe se odráží od dvourozměrných omezení, která zahrnují rozšířené pole fotografování, jako je například propíchnutí, rozmazání, pokrčení a vkládání do vosku, stejně jako výroba montážních dílů, jako je Tato kůže, ve které mám vstup (2002) - s obrázky vytištěnými na látkových polštářích. Zaměřuje se na zaměření na kůži, úmrtnost a stárnutí, její série Nosí ji jako mapa na její kůži (2005-2006) se skládá z obrazů ženských očí a rtů propíchnutých jemnou stříbrnou jehlou, která vytváří krajkový efekt . Clancy říká, že "kůže nemá kořeny, odráží se snadno jako papír" (stažení PDF) a "povrch kůže a fotografie jsou stěžejní" pro její práci. Realizace zranitelnosti a křehkosti lidského těla a jeho rychlá změna jsou jádrem jiné série, tenký papír (2007), kde je papír také reprezentativní pro lidskou pokožku - umělec ji nejen proniká, ale pokrčuje ji, jako by představoval pokrčenou pokožku. Čekání na usazování prachu (2000-2005) zachycuje čas a "minutové zbytky našeho každodenního života" s obrazy stop a stínů, které zanechaly objekty, když byly odstraněny z jejich místa. Zvětšené fragmenty prachu a mrtvé kůže naznačují úmrtnost a "prach, z něhož tělo přichází a ke které se vrátí.

Trent Parke

Magnum fotograf Trent Parke (b. 1971) je inspirován každodenními životními zkušenostmi a především pracuje s pouliční fotografií. V 2003u navštívil Parke téměř 90,000 km v Austrálii se svou ženou a kolegyní fotografkou Narelle Autiou. Výsledek byl Minutes to Midnight, sbírka fotografií z cesty, která nabízejí znepokojující portrét Austrálie dvaceti prvního století, od vysušeného prostředí až po chaotický život ve vzdálených domorodých městech. V 2007u se Parke pustil do vnitřní cesty, aby prozkoumal svůj vlastní život a minulost - jak říká: "Vykopávat vlastní historii." Již sedm let pracoval na The Black Rose Diaries, který byl uveden v umělecké galerii Jižní Austrálie v 2015. Série začala, když se Parke odrazil v noci, kdy ve věku 12 byl svědkem smrti matky z astmatického útoku. Od tohoto okamžiku umělec vypnul všechny vzpomínky na své dětství, dokud nepředstavil problémy a začal s tím vytvářet soubor práce. Obsahuje fotografie, dopisy a texty, seriál nejen o životě - minulosti a přítomnosti, ale také o univerzálních otázkách o naší existenci. Vychází z jeho každodenních zkušeností a úvah o životě, dílem je meditace na životních cestách a souvislost mezi přítomností, minulostí a budoucností.

Petrina Hicksová

Petrina Hicks (b. 1972) využívá "svůdného a lesklého jazyka" komerční fotografie - svého profesionálního zázemí - zabývat se otázkami krásy a dokonalosti a zároveň zkoumat schopnost fotografie vytvářet a zkorumpovat procesy spotřeby a svádění. Její snímky představují zdánlivě bezvadné předměty, které se skládají s "cizími", podivnými prvky, které znepokojují diváka - ukazují na napětí mezi krásou a nedokonalostí. V Shenae a Jade (2005), mladý model drží v hlavě hlavičku v hlavě - nepravděpodobná, netradiční kombinace, která vyváží perfektní módní portrét z rovnováhy. Hicks často zkoumá identitu žen, odkazuje na mytologii a dějiny umění a propojuje je se současnou obrazovou kulturou. To je zřejmé Hippy a had (2011), série zahrnující video a rozsáhlé fotografie, které jemně odkazovaly na Evu a hada v rekonstruované zahradě Eden. v Venuše a Narození Venuše, ona vhodně poukazuje na mytologickou bohyni a jinou ženskou symboliku, a zároveň odráželo více současných pojmů feminismu a sexizovaného mužského pohledu. (PDF download) Jiné práce odkazují na symbiotický vztah mezi člověkem a zvířetem, jako je Lambswool or Rosemaryho dítě (2008).

Sonia Payes

Fotograf a nová média umělkyně Sonia Payesová (b. 1956) v posledních letech stoupala směrem k neskutečnému, vytvářejícím strašidelné vícevrstvé obrazy, ve kterých jsou prvky obrácené, zakryté a neviditelné. Prostřednictvím své fotografické praxe a nových multimediálních animací a trojrozměrných instalací se společnost Payes zabývá tématy zničení životního prostředí, apokalypsy a obnovy naší budoucnosti. Umělec získal pozornost fotografickými esejemi o australských umělcích 60 v Praze NEPOJMENOVANÁ. Portréty australských umělců, publikoval Macmillan v 2007. Ve společnosti 2012 se společnost Payes s rezidencí Austrálie China Art Foundation ve venkovském Pekingu, která vyvrcholila výrobou Interzone série, která je zobrazena na stránce Fehily Contemporary v 2013. Během jejího pobytu v Pekingu byla společnost Payes ponořena do tvrdého prostředí rychlého rozvoje měst v Číně - zemědělská půda byla rychle nahrazena lomy a cementy. Umělec byl svědkem významných změn nejen v krajině a prostředí, ale iv lidských vztazích. Prostřednictvím své série poskytla společnost Payes společenský komentář, který se promítl i do nových vzájemných vztahů člověka a životního prostředí způsobených obrovskou industrializací Číny. "Re-generace" (2014) prozkoumala praxi Payes prostřednictvím různých děl, včetně Earth Warriors a Ice Warriors-Představovali jako "průvodci" k tomu, aby nasměrovali lidstvo při hledání nových řešení degradace způsobené našemu prostředí. Jiné série ilustrují a reflektují odolnost lidstva a jeho schopnost nekonečně se měnit a přizpůsobovat se zemním prostředí, které je měnitelné.